Con motivo de la representación de clásicos teatrales en el patio del instituto Juan del Enzina de León, dentro del Festival Cuna del Parlamentarismo, organizado por la Concejalía de Acción y Promoción Cultural del Ayuntamiento de León, La tinta entre tus dedos mantiene un encuentro con Iñaki Juárez (Versión y Dirección de El retablo de maese Pedro. Teatro Arbolé), Jorge Barrantes (Actor de El licenciado Vidriera. Karlik Danza Teatro), Antonio Campos (Dramaturgia e Intérprete de La Celestina. Albacity Corporation) y Ricardo Iniesta (Dirección y Dramaturgia de Rey Lear. TNT Atalaya). Os invitamos a conocer a estas cuatro compañías teatrales a través de sus respuestas a nuestras preguntas:

  1. ¿Cómo se presenta…?

– TEATRO ARBOLÉ: Nació en Zaragoza en 1979. Somos una compañía de teatro de títeres. Somos titiriteros. En 1990 abrimos un teatro en los bajos de un edificio en Zaragoza, pero en 2008 trasladamos la sala de exhibición al Parque del Agua Luis Buñuel. En 1993 comenzamos una labor editorial para publicar textos de títeres que se concreta en tres colecciones. En 2009 abrimos la Escuela de Teatro para iniciar en el lenguaje del teatro de títeres a niños y jóvenes. Nuestra programación es fundamentalmente para niños (todos los fines de semana) y, de forma ocasional, se hacen ciclos para adultos de música, danza, etc.

– KARLIK DANZA TEATRO: Es una compañía que surge en 1991, reside en la Nave del Duende en Casar de Cáceres. Cristina Silveira es la Directora y David Pérez es el Productor. Cristina ha tenido una labor importante en Extremadura en el mundo de la danza: se ha impregnado de muchos cursos a nivel internacional, tuvo una unión muy importante con el teatro del silencio en Francia del chileno Mauricio Celedón. De ahí surgieron sus proyectos más internacionales por Chile o México. Karlik está de gira en la actualidad con las obras: El licenciado Vidriera, María Zambrano, Autorretratos de pluma y espada, El lago de los cisnes y Coppélia. Karlik significa “duende” en ruso por esa labor de darle el alma hacia aquello que se crea en una búsqueda del arte más allá de lo establecido y de la esencia. Trata al espectador de inteligente, no le sirve en bandeja lo que va a ver.

– ALBACITY CORPORATION: Somos la Compañía La Trilla, fundada en 2004 por mí, Antonio Campos, y la productora es Albacity Corporation.

– TNT ATALAYA: Atalaya es la compañía, TNT es el centro. En 2023 cumpliremos cuarenta años. En este tiempo, Atalaya ha recorrido cuarenta países y más de seiscientas ciudades de todo el mundo con un total de veinticinco representaciones diferentes. El centro TNT tiene veintisiete años de historia en el que se ha puesto en marcha el Laboratorio Internacional, el Teatro TNT, cuya apertura tuvo lugar en 2008. Conjuntamente, hemos recibido el Premio Nacional de Teatro, el máximo galardón de las artes escénicas.

  1. Dentro de la riqueza de nuestra Literatura, ¿por qué la elección de estas obras clásicas?

– TEATRO ARBOLÉ: Para todo titiritero el capítulo de Maese Pedro es fundamental, no solo como clásico universal. Teniendo en cuenta lo poco que hay de teatro de títeres, que Cervantes nos hubiese dedicado un capítulo tan importante como ese, a todos los titiriteros “nos toca la fibra”. No obstante, acostumbramos a trabajar con textos literarios adaptados, más que de nueva creación. Sentimos adoración por Cervantes, igual que por el Retablillo de San Cristóbal, de Federico García Lorca, máxime en una profesión tan vilipendiada como es la de titiritero. Todas estas cosas que dignifican nuestro oficio siempre nos han llamado la atención. Nos iniciamos con el Romancero y las alusiones que había a don Gaiferos para luego centrarnos en El Quijote. Tenemos dos espectáculos: este y el de Mi primer Quijote, destinado a niños pequeños.

– KARLIK DANZA TEATRO: Parte de Diego Ramos, el escenógrafo, que trabaja en el Desván teatro, una compañía de Domingo Cruz, que encarga a Karlik una coproducción. Surge la propuesta de El licenciado Vidriera, una obra cervantina muy narrativa. Es el motor que llega al imaginario de Karlik: cómo el personaje tiene esa transición tan importante hasta convertirse en un hombre de cristal o de vidrio. La Directora parte de eso: del cambio de personaje, de alma, del paso una lucidez extrema y que no está tan separada de la realidad actual. Se ve a un personaje que lucha por honrar la vida de sus padres a través del estudio y se encuentra toda la educación experimental que te pueda dar la vida hasta llegar a la muerte.

– ALBACITY CORPORATION: Elegimos a La Celestina por dificultad, es la obra cumbre o referente, interpretada además por un solo actor.

– TNT ATALAYA: Rey Lear es el “Everest” del Teatro Universal, como obra cumbre de Shakespeare. Es una obra que ha estado proscrita durante siglos por el mensaje que tiene contra los poderosos y en defensa de los oprimidos. Recoge todo lo que mostraban sus anteriores obras como Hamlet o Macbeth.

  1. ¿Cómo ha sido el proceso de adaptación?

– TEATRO ARBOLÉ: Es relativamente fácil la adaptación de El retablo de maese Pedro, fijándonos en los puppies sicilianos actuales. Lo hemos hecho con ese mismo tipo de muñecos, sencillos, que no necesitan gran manipulación. La dramaturgia ya estaba hecha, pero introducimos a Cide Hamete que lleva tanto tiempo buscando las aventuras de El Quijote que ha preparado, junto con otro comediante, la obra que representamos.

– KARLIK DANZA TEATRO: En sus inicios tuvo como ayudantía a Pedro Luis López Belloch y partieron de esa base, con el flamenco también de Alberto Moreno, para ver cómo podían adaptar esta narrativa a una seguidilla o un romance. Ello le confiere originalidad a esta adaptación.

– ALBACITY CORPORATION: La Celestina es muy rica en la psicología de los personajes, los escenarios múltiples, las acciones paralelas… Trabajamos de forma muy minimalista: sin escenografía. Una vez leída la obra, pudimos embarcarnos en estudiar a los eruditos que habían analizado La Celestina, como María Rosa Lida, que llegó a deducir que es una obra que Fernando de Rojas leía a sus amigos y ellos mismos iban aportando intervenciones, por la cantidad de estilos que contiene. Partiendo de esto, la esencia de la obra es dramática. Es un modo de trabajo muy plástico: el director a veces es actor y viceversa. El texto está abierto: todos los días en los ensayos se intenta poner en pie lo que hay escrito, pero luego va mutando, fruto de esa improvisación. Decidimos que la escenografía también tenía que mutar con las acciones de los personajes: con tres volúmenes, el actor, es decir, yo mismo, va configurando la casa de Celestina, la de Melibea, la de Calisto o el jardín… El escenario va cambiando con el verbo, con la propia acción. Es importante diferenciar todos los personajes con movimientos cercanos a la Comedia dell Arte sin llegar a lo grotesco. Hay un elemento esencial, que es una capa con la que trabajamos, que nos sirve para configurar también el vestuario de cada personaje. Llevamos años perfeccionando esta fórmula: la de que un solo actor represente a todos los personajes. En la obra hay, a su vez, tres capas en la interpretación: Antonio Campos, como tal; el narrador y el resto de personajes. Así podemos romper la cuarta pared y “hacer cosquillas” al público. Es una tragicomedia, pero somos conscientes de que con la risa entra mejor la letra. Además, actualizamos los textos al público del siglo XXI.

– TNT ATALAYA: Acercarse a una obra como Rey Lear requiere de una preparación de décadas. Hace años repartía papeles de Rey Lear en talleres literarios, pero es la primera vez que me he atrevido con una actriz como Carmen Gallardo, dada la monumentalidad del personaje de Rey Lear. Si este texto es la obra cumbre, el personaje contiene tantos matices que significa un personaje universal. Si Bertolt Brecht decía que “el círculo contiene infinitos puntos”, Rey Lear contiene infinitas posibilidades.

  1. ¿Qué otros elementos se combinan con la palabra y qué aportan estos?

– TEATRO ARBOLÉ: Introducimos el Romance de Melisendra, que lo convertimos en canción, y partes de otros pasajes de romances de Gaiferos. Hay mucha acción.

– KARLIK DANZA TEATRO: En los espectáculos se ve a un intérprete, más que a un actor o un bailarín, en un intento de aunar un trabajo colectivo. Se coloca al artista en su límite de expresión para ver el esfuerzo creativo. En Karlik se ve todo lo que no está escrito en Cervantes. Es el espectáculo total.

– ALBACITY CORPORATION: La música es el elemento que aporta el ritmo y da emoción a la palabra. José Luis Montón, el guitarrista, y yo como intérprete nos hemos hermanado sobre el escenario. Toca por bulerías, soleás, fandangos… Como enamorado del flamenco, mi sueño era decir el texto por palos flamencos y José Luis lo captó desde el primer momento. Si en un escenario te mueves al ritmo, el público no deja de mirar. La guitarra española ayuda en los momentos más trágicos y también en los instantes más cómicos o alegres. No tenemos escenografía, pero tenemos los mejores ambientes para cada situación.

– TNT ATALAYA: Las apariciones del coro son fundamentales. En la obra hay nueve personajes que tienen casi la importancia de un protagonista. Todos los actores, excepto Carmen, interpretan los diferentes coros que, como en la tragedia griega, van sirviendo de eje en torno al espectáculo. Esto permite que el espectador disfrute de la obra a través de los sentidos y no solo del texto. El elemento estético es muy interesante: la escenografía la va cambiando el propio coro, logrando un juego escénico impactante para el espectador. También la música, en vivo y en directo, que determina el proceso emocional del teatro.

  1. ¿Qué dificultades conlleva representar la obra en un espacio abierto como es el patio del IES Juan del Enzina en León? ¿Cambia la recepción del público?

– TEATRO ARBOLÉ: Un espacio abierto no supone ninguna dificultad, salvo si hay viento. La obra está montada con muy pocos elementos y los dos titiriteros cambian de personajes a la vista del público. La recepción de la obra cambia sobre todo por las condiciones extremas climáticas. En los espacios cerrados el público se sumerge aún más en la historia de lo que le estás contando que cuando es un sitio al aire libre.

– KARLIK DANZA TEATRO: Es un reto en una obra tan poética: hay muchos detalles íntimos que pretendemos que lleguen a todos los rincones de un espacio abierto para que la palabra de Cervantes se proyecte lo más nítidamente posible y, sobre todo, el cante flamenco. La recepción del público cambia totalmente: el actor tiene que utilizar su voz como un instrumento según el lugar al que vaya y, por ello, afinarlo según el lugar de representación. Cualquier espacio, tras pasar la cuarentena, lleno de gente, bienvenido sea; es un regalo.

– ALBACITY CORPORATION: Siempre nos ha gustado la dificultad. En realidad, esta es la esencia del teatro. El cómico de la media legua trabajaba de esta manera. Partiendo de esta idea, el actor en sí, remontándonos a los tiempos de Molière, invita al escenógrafo, al iluminador, al figurinista… a su fiesta. Si no hay actor, no hay hecho teatral. Con la anterior crisis, para poder abrirnos camino, nos dimos cuenta de que necesitábamos ser muy versátiles, llevando nuestro ingenio hacia unos niveles insospechados. Por otro lado, es mucho más difícil captar la atención del público en un espacio abierto. Es un “cuerpo a cuerpo” donde has de llamar su atención desde el primer momento. Es verdad que los espacios abiertos ofrecen a veces lugares singulares, lo que también es un aliciente tanto para el espectador como para el intérprete. En León hay sitios idílicos “donde las piedras hablan”, hay un espíritu y una energía latentes donde suceden cosas que es imposible que en otros espacios sucedan, cosas que quedan adheridas a las obras y posibilitan su crecimiento y enriquecimiento.

– TNT ATALAYA: Un espacio abierto tiene inconvenientes como la climatología. Hace dos años tuvimos que suspender la representación en León, con esta misma obra, a los tres minutos de iniciarla. Ese es el principal riesgo que existe. También se pierde un poco de intimidad. En cuanto a la recepción del público, son diferentes maneras, pero complementarias. Depende del gusto del espectador.

  1. En el caso de El retablo de Maese Pedro, de TEATRO ARBOLÉ:

– ¿Cómo son los ensayos o la preparación de una obra de títeres? Se produce una fascinación entre lo vivo y lo no vivo, entre lo que se representa, que te lleva directamente a la infancia. Siempre empezamos con la argumentación, seleccionamos los títeres y luego definimos la técnica para realizar la dramaturgia, pues ya sabemos lo que le podemos pedir al muñeco.

– ¿Por qué los títeres siguen interesando al público actual? El teatro de títeres ha tenido un crecimiento exponencial en los últimos tiempos y, sobre todo, lo vinculado al teatro para niños. El éxito que ha tenido el teatro de títeres se debe a que es un intermediario entre los adultos y el niño, pues cuando naces lo primero que te ponen al lado en la cuna es un muñeco. Tradicionalmente, el teatro de títeres no era para niños, pero es una de las maneras de acercar el teatro clásico a los más pequeños para despertar su curiosidad.

– ¿El teatro es un espejo que refleja nuestra posición de marionetas? Ser títeres no puede tener una connotación negativa, pero los títeres han gozado de una libertad mayor que la de los actores. Ojalá todos fuéramos títeres.

– ¿Por qué el espectador ha de ver El retablo de maese Pedro, de TEATRO ARBOLÉ? No sabría qué deciros, pero es fundamental porque el teatro de títeres es el teatro de la síntesis. Nos acercamos a El Quijote desde los títeres que nos lleva también a la farsa, como géneros populares. Una manera más de llegar a la obra de Cervantes.

  1. En el caso de El licenciado Vidriera, de KARLIK DANZA TEATRO:

– ¿Cómo se prepara Jorge Barrantes, el intérprete? Es muy importante la predisposición, el personaje ha de tener un recorrido antes de empezar la obra y cuando terminan los aplausos del público. La predisposición se crea a través de música e imágenes personales que me lleva a la lucidez de Tomás Rueda. Con ello hago un brebaje que me sirve de entrenamiento para salir a escena. El teatro parte de lo físico para llegar a la emoción. En una creación improvisas, con unas circunstancias iguales a las del personaje. Por ello, subir a un escenario, para mí, es un ritual. Tengo un monólogo final de lucidez de Tomás Rueda que declamo sobre una fila de libros, y estoy en constante conflicto para poder seguir trabajando y no acomodarme. Eso es Karlik.

– ¿Por qué sigue plenamente vigente esta Novela ejemplar? Siempre hay algo que contar. Para una compañía que no es textual puramente, al final, vas recogiendo palabras y esencias: “La necesidad casi precisa de hacer todo aquello que notaba y mal me parecía”, dice Tomás Rueda, mi personaje. Es una obra muy mitológica y muy futurista a la vez. Realmente, ese licenciado Vidriera, símbolo de lucidez y sinceridad total, la sociedad necesita clasificarlo como loco, aunque le hagan caso: eso es muy similar a lo que ocurre hoy día con las redes sociales. El licenciado lucha contra la gente que lo ha juzgado y que viven en la ignorancia absoluta. Él es considerado loco: “Pensad que todo lo que digo como loco lo voy a decir como cuerdo”; y nadie le hace caso. Actualmente, o vas a favor o en contra de algo, hay una minoría silenciosa, todos nos sentimos vulnerables.

– ¿Qué reacción busca Karlik Danza Teatro en el espectador?

Transmitir la esencia de la obra. Llegar a comprender toda la obra no es el objetivo de la compañía. Pero hay una sensación común de sentir que el espectador ha vivido el viaje emocional. Busca empatizar con el trabajo que implica llevar a escena una obra así.

– ¿Cómo se forma a un público en las artes escénicas? Primero se forma yendo al teatro. Nadie sale indiferente cuando ve El licenciado Vidriera, sobre todo el valor del trabajo, el sacrificio, el conflicto en el actor, su alma a la hora de interpretar un personaje… El espectador eso lo ve y lo agradece. Y con esta obra es cierto que solo recibimos agradecimientos. Entre los jóvenes hay que fomentar mucho ese ritual de llevarlos a la sala de teatro para contagiar esas ganas, sobre todo, desde la pedagogía.

  1. En el caso de La Celestina, de ALBACITY CORPORATION:

– ¿Es un reto para un solo actor interpretar tantos papeles diferentes? El reto con tiempo se ha convertido en menos reto, pues hemos ensayado sin tanta presión, derivado de la situación de confinamiento.

– ¿Por qué unir literatura y flamenco? ¿Qué se obtiene como resultado de esa fusión? Hay una simbiosis y una catarsis profundas. En este sentido, dicen que hemos creado un estilo nuevo o, al menos, una manera distinta de ver los clásicos de forma sencilla y efectiva. Hemos “democratizado” los clásicos. Las dos candidaturas a mejor actor en los Premios Max con El Lazarillo y La Celestina, “te deja morder la manzana en los carteles”, y junto con el Premio Rojas de Toledo que compartimos con Rafael Álvarez El Brujo, han sido un honor.

– ¿Qué nos sigue enseñando La Celestina en el siglo XXI? Nos enseña todo. Estamos acabando una etapa a punto de iniciar otra y esto te lleva a reflexionar sobre cuestiones como la dificultad de cambiar de época: Melibea es una protagonista que se mueve en las dificultades de su propio sexo y del qué dirán, siendo la única sincera y el alma de la obra. O el personaje de Celestina que refleja la lucha constante del ser humano con la naturaleza. ¡Qué mejor momento que una pandemia para ensalzar esta realidad! La naturaleza te muestra que apenas eres una sombra de la nada. Se pueden extraer tantísimas lecturas: avaricia, pasiones, envidia… El Siglo de Oro nace verdaderamente con La Celestina.

– ¿Por qué el espectador ha de ver esta versión de La Celestina? Porque nunca antes se ha visto un planteamiento similar, tan alejado a lo que se ha estado haciendo teatralmente hasta hoy. Hemos hecho una fórmula que hay que ir a verla para entender por qué ha tenido este recorrido y esta repercusión, aquello que nos confiere el sello de calidad de nuestra compañía.

  1. En el caso de Rey Lear, de la compañía TNT ATALAYA:

– ¿Nuestra vida es sueño o es locura? Las dos cosas. Donde empiecen y terminen, no hay límite, tal y como lo trazó Calderón. Rey Lear sueña y llega a la locura, hasta el punto de decir “qué mundo este donde los locos guían a los ciegos”. Un poco de locura nos puede llevar a soñar y a un mundo mejor.

– ¿Qué trasfondo de Shakespeare sigue teniendo vigencia? Su obra es plenamente actual. Hay un momento en el que Rey Lear dice: “Poderosos, sentid como sienten los miserables. Que acabe la injusticia del mundo”. Eso lo dice un rey que ya no tiene la corona. “Ojalá en este país un rey que ya no tiene la corona lo dijera…”. Necesitaríamos más la locura de un Rey Lear.

– ¿Las nominaciones a los premios ayudan a seguir apostando por el teatro clásico? Son anecdóticas. El mejor alimento es el encuentro con los espectadores, el aplauso del público, el llevar el teatro por todo el mundo: ese es el mejor premio.

– ¿Por qué el espectador ha de ver Rey Lear, de TNT ATALAYA? Porque es el Big Bang del Teatro Universal. Lo que tiene Rey Lear no lo tiene ninguna obra. Hemos recibido buenas críticas y los premios avalan nuestro espectáculo.

  1. ¿De qué manera se puede formar a un público en las artes escénicas?

– TEATRO ARBOLÉ: La forma más directa es a través de la educación. A la escuela le pedimos todo, pero, fundamentalmente, dándole una oportunidad a este tipo de teatro de títeres. El público se forma yendo al teatro y las campañas escolares contribuyen a ello, acercando a los niños a la sala de teatro, para que aprendan la liturgia del teatro.

– KARLIK DANZA TEATRO: Porque tiene el conjunto total de lo que al público le puede gustar: música, flamenco, lo ritual. Tiene mucha verdad y empatía con lo que está pasado y, sobre todo, porque hay un esfuerzo sobre el escenario para comprender realmente cómo es el trabajo del actor y poder saber que uno puede dejarse vivir durante una hora como uno quiere y como uno puede llegar a ser.

– ALBACITY CORPORATION: A los jóvenes hay que explicarles qué es el teatro y por qué se hace o qué ha hecho el teatro en nosotros. El ser humano es lo que es porque el teatro lo lleva intrínseco: la necesidad de contar una anécdota y que el que te escuche se la imagine. El teatro hoy en día es lo único que se sale de lo digital, es lo único real y es el arte que más se parece al ser humano. El teatro quiere al mejor público, aquel que se interesa por las compañías, que se interesa por el elenco artístico, que sabe de su recorrido, como vosotras. Comicidad y actualidad son elementos indispensables para hacerle ver al público lo fresco y las enseñanzas de un clásico.

– TNT ATALAYA: Hay que ver mucho teatro en vivo y en directo. El teatro no se puede ver en Internet o a través del móvil. Es el único evento que queda que se tiene que ver en directo. Eso es lo primero que tienen que llevarse los jóvenes y experimentar sensaciones que no se experimentan en ninguna otra faceta de la vida humana. “El teatro tiene que producir ansias de un mundo mejor”, como decía Genette, y tiene que generar interrogantes y producir catarsis y emociones en el espectador.

Agradecemos a todas las compañías su tiempo y disponibilidad para la realización de esta entrevista e invitamos a nuestros lectores a disfrutar del teatro y de los clásicos.

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